Blue Jasmine

Ganadores y perdedores

Mauricio Montenegro

En 1951, Elia Kazan dirigió la inolvidable versión para el cine de Un tranvía llamado deseo, la obra que Tennessee Williams escribió tres años atrás. En la película, Vivien Leigh (entonces de 38 años) hizo el indiscutible papel de su vida: Blanche Dubois, por el que ganó el Oscar a mejor actriz y su consagración definitiva como una de las grandes actrices de la historia del cine. De hecho, este fue su segundo Oscar como mejor actriz, un honor compartido únicamente con Ingrid Bergman y Meryl Streep. A sus 26 años Leigh ya había interpretado a Scarlett O’Hara en Lo que el viento se llevó, otro clásico. 

Ahora, en 2013, Cate Blanchett (a sus 44 años) tiene grandes posibilidades de llevarse su primer Oscar por un papel protagónico. Blanchett ya ha sido nominada dos veces, y no precisamente por sus mejores papeles; estoy pensando en I’m not there, Veronica Guerin o Notes on a scandal, para nombrar sólo tres. Lo interesante es que ganaría el premio gracias a su interpretación de una moderna Blanche Dubois: Jasmine French. Medio siglo después de Kazan, el incansable talento narrativo de Woody Allen imaginó una historia sobre la crisis financiera de Wall Street en 2008, Blue Jasmine, dibujada sobre el guion de Un tranvía llamado deseo. Y, desde ya, es también un clásico. 

No. 009 Series de TV

Las series televisadas tienen una enorme ventaja sobre los largometrajes de cine, a la hora del recuento nostálgico, de la cosa identitaria: duran más. No dos horas, sino varios años de exposición a los mismos personajes, los mismos lugares, la misma historia. Esta ventaja puede expresarse con la metáfora boxística de Cortázar: mientras la película tiene que ganar por knock-out, la serie puede ganar por puntos: pegar de a pocos aquí y allá a un televidente comúnmente más desprevenido y generoso que el espectador de cine, que suele ser más crítico y atento.

Esto para justificar un poco este número sobre series de televisión, que extraña en una revista dedicada al cine. Con la única excepción de The Wonder Years, las series de televisión reseñadas en este número de los Cahiers de DVD fueron producidas en la última década. Y es precisamente la última década la etapa comúnmente señalada como la edad dorada de las grandes producciones para televisión, como el momento en que grandes nombres de la industria cinematográfica se dejaron seducir, finalmente, por el formato de la serie televisada. El antecedente más claro del éxito de estas nuevas series puede ser la popularidad de las sit comedies de los años noventa (Seinfeld, Friends); sin embargo, las nuevas series han trascendido el popular género de la comedia familiar y han explorado géneros hasta hace poco más asociados a la cinematografía: la novela histórica, el drama épico… Y en fin, se nos ocurrió que debíamos darle un espacio en los Cahiers de DVD a algunas reseñas sobre series de televisión que nos parecen sobresalientes. Esperamos que funcione.

The Walking Dead

Después del Apocalipsis zombi alguien seguirá cortando el césped 

(Juan Andrés Álvarez Castaño)

El hombre se llama Rick Grimmes, lleva terciada una escopeta y va montado sobre su caballo. Va en busca de su mujer y su hijo, indefensos y extraviados en algún lugar incierto. Delante de él se extiende vacía la amplia autopista que conduce hacia la ciudad. A lo lejos, los oscuros rascacielos se levantan como sombras. Al otro lado, apeñuscados en el carril de salida, abandonados e inmóviles, centenares de carros devorados por el polvo. Aquí y allá los cuervos picotean impasibles los restos de algún cadáver decrépito y reseco. En ocasiones el cadáver se levanta y trata de alcanzar a Rick, quien no comprende a dónde diablos fue a parar el mundo… 

La secuencia es uno de los momentos iniciales de The Walking Dead, una de las novelas gráficas más populares de los últimos años, que cuenta la historia de un mundo post apocalíptico infestado de zombis por una razón que nunca nos será plenamente revelada. Se trata de un relato feroz en el cual abundan las yugulares sangrantes, las vísceras y los sesos desparramados, creado en 2003 por Robert Kirkman, a cargo de los guiones, y Tony Moore, como dibujante. La obra, publicada por Image Comics, fue premiada en 2010 en el Comic-Con Internacional de San Diego y el 31 de octubre de del mismo año el canal AMC, conocido por éxitos de audiencia ya casi legendarios como Mad Men y Breaking bad, estrenó su adaptación a la televisión a cargo de Frank Darabort, guionista de Pesadilla en ELM Street en lo que constituyó un nuevo éxito puesto que The Walking Dead se convirtió de inmediato en una nueva serie de culto. 

Carnivale

Carnivale: de los límites a la oposición entre el Bien y el Mal 

Vladimir Caraballo y Ana María Restrepo

Escribir sobre series de televisión 

Escribir sobre una serie de televisión cualquiera, CARNIVALE en este caso, ha resultado mucho más complicado de lo esperado. Y esto, sospechamos, obedece a varias razones: en primer lugar, creemos que se trata de un campo muy poco explorado por quienes usualmente se han dedicado a escribir y hablar de cine; no por quienes han hecho cine, pues basta hacer un recorrido superficial por el trabajo de directores reconocidos para darse cuenta que desde hace varias décadas han visto en el formato de la televisión ventajas con las que no se cuenta en el séptimo arte: extensión, acceso a un público masivo, posibilidad de reconstruir guiones, personajes e historias sobre la marcha, etc.; pero mientras que desde hace décadas directores de la talla de David Lynch o de Scorsese no han dejado de explorar este camino, los críticos hasta ahora parecen darse cuenta de que quizás valga la pena hablar de ello. En segundo lugar, la dificultad tiene que ver sin duda con ese usual desprecio con que ha sido vista la televisión en general, relegándola a un espacio soso en donde nada puede ser visto más que telenovelas plásticas completamente ajenas al mundo del arte; aunque sin duda esta visión tenga mucho de verdad, tampoco hay duda frente a que, de estar dispuestos a hacer búsquedas filtradas y juiciosas de un contenido cada vez más inabarcable, muy buenas sorpresas podrían aparecer.

The Wonder Years

Creciendo con los Arnold

Mauricio Montenegro

La historia de la típica familia nuclear estadounidense ha sido contada y revisada por las series de televisión innumerables veces. Como drama o como comedia, como homenaje o como parodia, pero reproduciendo siempre el imaginario de una unidad cultural homogénea y digna de imitar: el padre trabajador, la ama de casa, tres hijos (uno rebelde, uno inteligente, uno neutral), la casa en los suburbios, el césped, cuyo cuidado es ritual, y el conocidísimo etcétera del llamado “american way of life”. 

The Wonder Years (TWY), que fue producida entre 1988 y 1993, una época en que campeaban sosas series familiares del tipo Family Ties (1982-1989), pertenece a ese subgénero. Y lo trasciende. TWY no sólo es una excepción a la mediocridad de las series de televisión de su tiempo: no es tan sencillo su mérito. Más allá de eso, e incluso más allá de la televisión, se trata de un producto narrativo y audiovisual extraordinario en el que todo, los guiones, las actuaciones, la musicalización, todo, roza la perfección. 

Deadwood

El western más incómodo de todos los tiempos 

David García 

“La cabeza de medusa, 

aquella que convierte en piedra a los seres vivientes, 

tú no la has visto sino en el espejo” 

(Oscar Wilde) 

Deadwood es una de las mejores series de televisión que he visto. Lo digo tras volver a ver las tres temporadas que se filmaron completas (2004 – 2005 – 2006), aunque sería más exacto decir las que dejaron filmar completas. Así pues, la serie que más me ha gustado jamás se terminó. Como suele pasar, se alegaron problemas de presupuesto y financiación como excusa para interrumpir indefinidamente la filmación, pero, a juzgar por los comentarios de David Milch, el guionista y creador de la historia, parece que lo que pasó es que resultó una serie demasiado incómoda. En este texto quiero referirme al gesto mismo de la cancelación de la serie, pues me parece elocuente a varios niveles, y, dado que Deadwood no es muy conocida en Colombia, expondré las razones por las que me gustó tanto. 

No. 008 Medios

La octava entrega de Cahiers de DVD está dedicada a los medios de comunicación. Si se piensa en las múltiples formas en que el cine -¡un medio en sí mismo!-, ha presentado, pensado o denunciado los medios de comunicación, se advierte que es difícil establecer un único enfoque sobre las relaciones cine–medios. Sin embargo, la perspectiva que de alguna manera subyace a las películas reseñadas en esta entrega sugiere que en todas ellas los medios de comunicación, más que un simple tema, aparecen como una preocupación. La preocupación de ciertos directores que entrevieron las posibilidades y los poderes de los medios y de los dueños de los medios.

Sabemos que, desde su último número, Cahiers de DVD ha tardado bastante, pero, como suele decirse, estamos seguros de que la espera valió la pena. Por ello, nos complace presentar a dos nuevos colaboradores que desde hoy se une a esta iniciativa: Juan Andrés Álvarez y Ana María Restrepo. También nos alegra presentar la segunda colaboración de Juliana Ospina, nuestra corresponsal en Argentina. Juan Andrés, autor del excelente blog unavacamulticolor, en donde también publica reseñas cinematográficas, escribe sobre The boat that rocked (2009), una suerte de nostálgica comedia-musical-drama que muestra cómo, irónicamente, los horizontes comunicativos y expresivos de la radio eran más amplios cuando era “pirata”. Ana María presenta un comentario sobre Rabbits (2002), proponiendo entenderla como una parodia de David Lynch sobre la televisión. Finalmente, Juliana, autora del blog de cine zootropico, dedica su texto a la magistral Network (1976), la demoledora crítica de Sidney Lumet a las multinacionales y los holdings de las comunicaciones.

Como es costumbre, tres de nuestros colaboradores habituales participan en este número: Fernando Astaiza nos ofrece su mirada sobre Panic in the street, de Elia Kazan (1950), y Ace in the hole, de Billy Wilder (1951); Mauricio Montenegro escribe sobre The king of comedy (1983), la inquietante película de Martin Scorsese sobre los populares talk shows estadounidenses, y David García escribe sobre la esquizofrénica The social network (2010), la película de David Fincher sobre la invención de Facebook. Bienvenidos.

Network (Sidney Lumet)

Network

Juliana Ospina

“Quiero anunciarles en este momento que renunciaré al programa en dos semanas por culpa del bajo rating. Como este noticiero es lo único que tengo en la vida he decido suicidarme. Volaré mis sesos en este mismo programa y horario la próxima semana. Así que sintonícenlo el martes”, dice en vivo a las cámaras el presentador de noticias Howard Beale, un hombre que sacrificó la mitad de su vida en la televisión y que lo único que se llevó a cambio fue el rechazo de sus dirigentes y su público.

Los productores de la cadena UBS y empresarios enloquecen cuando ven a Beale (Peter Finch) a través de los monitores. Lo cortan y lo sacan del aire. Los directivos piensan en echarlo pero Beale aduce que estaba borracho y pide una última emisión para despedirse del público. Al otro día lo hace diciendo “Les diré que pasó: me cansé de tanta mierda...”. Su franqueza funciona para el rating, y lo que ayer eran noticias sin audiencia hoy son vituperios con aplausos. Diana Christensen (Faye Dunaway), la ambiciosa ejecutiva de programación sin escrúpulos convence al director del noticiero, Max Schumacher (William Holden), para que no lo despidan sino que vuelva al aire en un nuevo programa, con un set diferente donde actúe como telepredicador. Y es así como la cadena de televisión empieza a consumir el alma de Beale, a pesar de la advertencia de, su jefe y amigo, Schumacher de que tiene problemas psicológicos. La meta es subir el rating, ganar más dinero a cualquier costo. Así les cueste la vida de una persona. Shumacher busca convencer a Beale de que renuncie y cuide su salud, pero éste se siente estimulado por la libertad que tiene para expresarse, aunque eso implique modificar el modelo tradicional de presentación de noticias. 

The social network (David Fincher)

The Social Network

David García

Después de Google, pocas cosas han revolucionado el ecosistema virtual como las redes sociales. Del mismo modo que Larry Page y Sergey Brin, creadores de Google y en su momento estudiantes de la Universidad de Stanford, otros jóvenes excepcionales han acomodado sus nombres en los listados de las personas más ricas del mundo. Mark Zuckerberg, estudiante de Harvard y fundador de Facebook, es heredero de esta tradición. Como pasa todo el tiempo con este tipo de personajes, el cine no tardó en tomárselas con la vida y obra de Zuckerberg, después de todo su historia tiene los ingredientes necesarios: juventud, genialidad y dinero, mucho dinero, y con el dinero viene el drama. David Fincher llevó esta historia al cine en 2010 con el título The Social Network. 

De esta película se ha dicho que es la Network del siglo XXI, o bien el “Easy Rider de la generación laptop”, como afirmó el escritor y crítico chileno Alberto Fuguet. Más allá de estos paralelos, lo cierto es que The social Network es una gran película y evidencia ciertos valores de la contemporaneidad: popularidad, exclusividad y dinero (mucho dinero). Tal vez lo mejor de The Social Network sean la historia (sin importar que sea o no “fiel a la historia real”) y los diálogos geniales de principio a fin; por ello, todo hay que decirlo, el principal mérito es del guionista Aaron Sorkin, quien a la postre ganaría casi todos los premios posibles, incluyendo el Oscar, por su adaptación del libro de Ben Mezrich “The Accidental Billionaires”. Puestos en este camino habría que decir que Jesse Eisenberg también mereció ganar todo por su impresionante interpretación de un Mark Zuckerberg cínico, calculador, genial y medio ciborg (un tanto parecido a Sheldon Cooper, el protagonista de la serie The Big Bang Theory). 

Rabbits (David Lynch)

Fragmentos de una situación

Ana María Restrepo

Una sala, un sofá, una lámpara, una mujer (¿?) sentada y otra que plancha, alguien entra. Aplausos. 

¿Cuál sería la diferencia si viéramos Rabbits sin música? ¿Es una historia adaptada a los sonidos? ¿Es una parodia de las comedias gringas familiares? ¿Una adaptación? ¿Un rompecabezas? ¿A quién aplaude el público? ¿A Jack o a Scott? ¿Por qué son conejos? ¿Son pensamientos o es una conversación o son ambos? ¿Cuál es el secreto? ¿Nos importa? 

Tradicionalmente los cortometrajes han estado asociados a la experimentación, ponen de manifiesto la capacidad del director. Su sentido podría ser el mismo del cuento: contar lo preciso, el centro de la acción, dejar a un lado los excesos y concentrar lo importante, tanto así que sus personajes deben ser verosímiles y generar la reacción del público sin el tiempo de introducción (de un largometraje o de una novela). Un corto es también una declaración de principios: no tiene un fin comercial, por lo tanto, es la libre expresión estética del cineasta. También son viñetas de una historia más amplia. 

The boat that rocked (Richard Curtis)

Navegando por las nostálgicas aguas de la radio y el Rock & Roll 

Juan Andrés Álvarez Castaño 

La escena puede parecer exótica y lejana pero guarda una curiosa similitud con el mundo de navegantes y de piratas virtuales en el que vivimos: en la Inglaterra colorida de los años sesenta, cuando la BBC de Londres llevaba más de cuatro décadas convertida en un imperio mediático incontestable, decenas de hombres al frente de emisoras instaladas a bordo de barcos en las aguas heladas del Mar del Norte, sin dios ni ley y fuera de la jurisdicción del gobierno británico, dedican sus vidas a la radio transmitiendo 24 horas al día una música nueva, extraña y corruptora de la moral llamada rock & roll. El tipo de vida que muchos quisieran…Por supuesto, no pasa mucho tiempo antes de que la Corona ponga todo su empeño en declarar la ilegalidad de esos medios, escandalosamente libres, carismáticos y entretenidos, cuya señal llega a más de veinte millones de ingleses, en su mayoría jóvenes y adolescentes baby boomers, aquella generación fruto de la insólita explosión demográfica en Inglaterra y otros países anglosajones luego de la Segunda Guerra mundial. Esa generación que luego llevaría por estandarte la rebeldía y la lucha por las libertades individuales.

The king of comedy (Martin Scorsese)

Rey por una noche 

Mauricio Montenegro

The King of Comedy (1983) es una película excepcional en varios sentidos. Es excepcional en la carrera cinematográfica de Martin Scorsese, pues es la única comedia que ha grabado hasta hoy. Claro, es una comedia negra, pero una comedia al fin y al cabo. Hay momentos de humor negro en otras de sus películas, pero de la única que puede decirse que es, abiertamente, una comedia, es de The King of Comedy. Es excepcional también en la carrera de Robert De Niro, pues es la primera comedia que protagoniza, y no lo haría de nuevo por más de quince años; curiosamente volvería a hacer comedia con otra parodia sobre el mundo de los medios: Wag the Dog (1997). Hasta 1983 De Niro había destacado representando a tipos duros y violentos, era muy difícil imaginarlo en un papel cómico. Es excepcional, finalmente, porque pese a ser una excelente película, que abrió el Festival de Cannes en 1983 y le valió a Scorsese una nominación a la Palma de Oro, ha sido prácticamente olvidada. Tal vez precisamente porque no cuadra en un relato unitario de las filmografías respectivas deScorsese y De Niro. Tal vez, también, porque es una película esencialmente incómoda: para el negocio del espectáculo (para la lógica misma del espectáculo), para el negocio de la producción de celebridades, para los fanáticos de esas mismas celebridades. 

Incluso para la relación entre Scorsese y De NiroThe King of Comedy fue excepcional: después de trabajar juntos durante una década memorable (Mean Streets, 1973; Taxi Driver, 1976; New York New York, 1977; Raging Bull, 1980) se distanciarían con la grabación de esta comedia aparentemente inofensiva que, sin embargo, angustió bastante a Scorsese, al confrontarlo con la imagen grotescamente deformada de su creciente fama; no se reencontrarían hasta GoodFellas (1990).

Panic in the street (Elia Kazan), Ace in the hole (Billy Wilder)

El encubrimiento, la indiferencia, la impostura 

Fernando Astaiza

Con las películas Panic in the street, de Elia Kazan (1950), y Ace in the hole, de Billy Wilder (1951), no obtenemos una definición canónica de los medios de información, y por lo mismo no cabe en este artículo presentar una; antes bien, desde dichos films es mejor exponer las imposturas que los suelen atravesar.

Panic in the street, es la encrucijada de un delincuente (Blackie) que se ve perseguido por asesinar a un marinero inmigrante (Kochak) que arribara a New Orleans; mas lo que se configuraba como un hecho delictivo o una venganza personal, involucrará diferentes organismos de control político y social, debido a que la autopsia de Kochak dio como resultado que se encontraba contagiado por una fiebre neumónica contagiosa. 

De este modo, un integrante de la armada de Estados Unidos (Clint) será el estratega encargado, no sólo de la búsqueda y captura de Blackie, sino de la operación secreta que eliminará el factor de riesgo que amenaza la salud y el equilibrio del cuerpo social norteamericano. En esta medida, la operación también contemplará la exclusión de los medios de información que se interesaran en la situación, por lo que su ausencia será el papel interpretado y a señalar, pues resultan sometidos por las imposiciones de la acción política. 

No. 007 Boxeo

La entrega No. 007 de CAHIERS DE DVD está dedicada al boxeo, un tema que a varios de nosotros nos interesa especialmente. Aún revisando rápidamente se advierte que es larga la lista de películas sobre boxeadores, así como notables son los directores y actores que, como la dupla que conforman el entrenador y su púgil, se han interesado por lo que pasa dentro y fuera del ring. Algunas de estas duplas: Elia Kazan y Marlon Brando (“On the waterfront”, 1954), John Huston y Jeff Bridges (“Fat city”, 1972), Martin Scorsese y Robert De Niro (“Raging bull”, 1980), Michael Mann y Will Smith (“Ali”, 2001) o Clint Eastwood y Hilary Swank (“Million Dollar Baby”, 2004). Encontramos, además, todo tipo de historias; las de boxeadores famosos que tuvieron un éxito fugaz, o las de esos pocos que, a golpes, grabaron su nombre en la historia del deporte, pero sobre todo nos topamos con historias de peleadores anónimos, viejos o jóvenes, casi da igual, que experimentaron su vida como una prolongada caída a la lona.

Sólo se boxea por hambre, dice Alessandro Baricco en alguna de sus novelas, y tras el hambre nos topamos con muchos de los temas que se articulan al boxeo: la familia, el prestigio, la pobreza, el sacrificio, la fortuna o la violencia. Tal vez por semejante carga simbólica y dramática el boxeo es, probablemente, el deporte al que más películas se han dedicado -a pesar de que haya deportes más populares-. Finalmente, a juzgar por el reciente Oscar a mejor actor de reparto otorgado a Christian Bale por su sobresaliente actuación en “The fighter” (2010), parece que sigue vigente el interés de los críticos, el público y en general de la industria del cine por el boxeo. En cualquier caso, los boxeadores y sus historias siguen diciendo mucho de nuestros miedos y nuestros anhelos.

Para esta entrega dos colaboradores habituales, David García y Fernando Astaiza, escriben, respectivamente, sobre “Fat City”, de John Huston, y “Rocco y sus hermanos”, de Luchino Visconti. Vladimir Caraballo nos colabora de nuevo con una excelente reseña de “Rocky”, el clásico de 1976. Finalmente, celebramos la colaboración de Luis Eduardo Reyes con un texto sobre “Raging Bull”, de Martin Scorsese. Bienvenidos.

Raging Bull (Martin Scorsese)

El toro salvaje

Luis Eduardo Reyes

La realización de “El Toro Salvaje” o “Raging Bull” tuvo rasgos casi milagrosos. Después del fracaso de taquilla de “New York, New York”, película en la que Scorsese había puesto toda su fe y todo su talento, el director italoamericano entró en una depresión que disimuló con una juerga prolongada con sus amigos roqueros, que, por cierto, son algunos de los más importantes del mundo, como es de esperarse. Scorsese regresó a Estados Unidos y de inmediato se internó en una clínica para desintoxicarse de toda la droga consumida y, ahora sí; para vivir cara a cara la depresión. Por esos días conto con el apoyo de Isabella Rossellini, como se sabe, hija de los legendarios Ingrid Bergman y Roberto Rossellini ; dicho apoyo fue fundamental así como lo fue el hecho de que se le apareciera en el hospital Robert de Niro para convencerlo de dirigir la historia de Jake La Motta. Los argumentos de De Niro fueron contundentes : “tengo que aumentar treinta kilos de peso, estoy en la edad límite para someter a mi cuerpo a semejante experiencia; además tú eres el único que la puede dirigir. De Niro, claro está, hablaba de una historia que guardaba características ideales para hacer un Scorsese: basada en hechos reales, el protagonista es un italoamericano, es un “perdedor” (a propósito del prejuicio estadounidense), tiene triunfo, derrota, romance, amores perdidos, además de muchos motivos de reflexión.

Fat City (John Huston)

“¡Nos vemos en Stockton!” 

David García

Estaba escribiendo un texto sobre “Fat City”, la película dirigida por el gran John Huston a principios de la década de 1970, y el texto iba más o menos así…

“Aunque “Fat city” trata la historia de dos boxeadores, uno viejo y uno joven, en todo caso boxeadores perdedores, como decía Roberto Bolaño que debían ser los verdaderos boxeadores, en el fondo no es una película sobre boxeo, sino la historia de una ciudad donde todo y todos, sin importar lo que hagan, están marcados con el sino de la derrota: Stockton. Una ciudad donde se reparten consejos, y de entre todos los consejos el más importante: hay que irse, ¡huir!, y todos lo repiten hasta el cansancio. Una ciudad donde cada quien tiene conciencia del momento exacto en el que su vida se echó a perder, porque se les ha ido la vida pensado y dándole vueltas a ese momento (“Si no hubiera perdido esa pelea”, “Si hubiera ganado el campeonato”, en fin, “si esto o si aquello”…). Una ciudad donde el tiempo no significa nada y el dilema de la edad se resuelve fácilmente: se es viejo o se es joven, punto. Para los jóvenes aún queda alguna oportunidad de ganar una mano y largarse; si se es viejo todo está perdido y sólo resta esperar. 

Rocky (John Alvidser)

Rocky 

Vladimir Caraballo

La violencia, más que nada, siempre estará por fuera; real y radicalmente por fuera. Siempre condenable, siempre incomprensible, siempre escalofriante, fiel representante del desorden, del caos. Pero también, y sobre todo, siempre distinta, siempre retadora, siempre renovada, siempre sorprendente. Al lado de tantos intentos de decir cosas nuevas, de hacer cosas nuevas, de distinguirse, de rebelarse, de fugarse, de salirse, de revolucionar, la violencia sencillamente ha nacido por fuera; y es esa naturaleza la que le permite, como a nada más, mostrar los límites de la moral, los límites del orden; le permite desnudar nuestros miedos, nuestros deseos, nuestros valores, nuestras mentiras, nuestros instintos, nuestras formas de razonar. Así como diría alguien acerca de las peleas de gallos -viéndolas no hacemos más que vernos a nosotros mismos-, ver boxeo es presenciar un espectáculo en donde unos cuantos desgraciados se sacrifican para representar una tragedia acerca de la humanidad. Pero al grano: Rocky, de John Alvidser, 1976. 

Rocco y sus hermanos (Luchino Visconti)

El boxeo: otra ocasión para lo marginal 

Fernando Astaiza

Una película sobre boxeo, bien puede ser a su vez, el drama de una joven pareja, una familia, una mujer, un alcohólico, un drogadicto, etc., pues al parecer, el pugilismo por sí mismo, no es el tipo de situación cinematográfica que garantice una película taquillera, y mucho menos, una que se pueda considerar de culto. Al parecer, los títulos sobre boxeo no tienen un público que los recuerde o los clasifique en una escala reconocida, o más aún, celebrada. 

En el caso de Rocco y sus hermanos (1960), dirigida por Luchino Visconti, tenemos un trabajo cinematográfico en el que tres hermanos han sido boxeadores, y a su vez, han tenido que ver con la misma mujer (Nadia), pero si se propone una lectura como la del neorrealismo cinematográfico, vemos que el filme muestra las formas sociales que se descomponen y se recomponen cuando los personajes hacen frente a las condiciones económicas, políticas, religiosas o ideológicas en las que se encuentran, en un entorno como el europeo. Por lo mismo, la lectura que ofreceré, presenta una caracterización del boxeo desde el punto de vista del neorrealismo, y a su vez, revisaré una serie de imágenes que aún pueden ser elocuentes para el público contemporáneo y que permiten pensar la relación entre el boxeo y el cine neorrealista italiano.

No. 006 Películas de época

La sexta entrega de los Cahiers de DVD está consagrada a las llamadas “películas de época”, una expresión que suele usarse para referirse a la dirección de arte, pero que sin duda trasciende los problemas del vestuario y las locaciones. Las películas de época cuentan, cómo no, hechos históricos, enriquecidos por las posibilidades de la ficción. Como estos hechos históricos suelen referirse a la Historia con mayúsculas, la historia europea entre los siglos XV y XIX, la película de época estereotípica tiene música barroca, cortejos reales y pelucas empolvadas. Sin embargo, solo dos reseñas de esta entrega pueden situarse, con reparos, en esa categoría: el texto de Arturo Uscátegui sobre Danton (1983), de Andrzej Wajda, y el de Mauricio Montenegro sobre Los Duelistas (1977), de Ridley Scott. La primera historia ambientada en la Revolución Francesa, y la segunda en el reinado de Napoleón.

Para ampliar un poco la perspectiva sobre las relaciones entre historias e Historia, en este número hemos incluido reseñas de películas que se sitúan, por ejemplo, en una indeterminada y oscura edad media, o en el futuro imaginado por la Alemania del ascenso nazi. Es el caso de los artículos de Juliana Ospina, sobre La brujería a través de los tiempos (1922), de Benjamin Christensen, y de Elena Escobar sobre Metropolis (1926), de Fritz Lang. También hemos incluido una reseña de Fernando Astaiza sobre el demencial retrato que Werner Herzog hace de la conquista de América en Aguirre, la ira de Dios (1972). Finalmente, David García nos entrega un texto sobre Gangs of New York (2002) de Martin Scorsese, esa descarnada visión de la fundación de los Estados Unidos.

En esta ocasión, Cahiers de DVD recibió propuestas de nuevas colaboradoras (Juliana Ospina y Elena Escobar), y logró, después de reiterados esfuerzos, el apoyo de Arturo Uscátegui. Esta es, hasta el momento, la entrega más extensa de estos Cahiers. Esperamos tener también nuevos lectores y lectoras que se sumen a este proyecto.

Gangs of New York (Martin Scorsese)

Gangs of New York: entre las historias y la Historia 

David García

Pocas cosas tan enrevesadas y apasionantes como la historia de Estados Unidos, y no es casualidad que el cine haya sido, y siga siendo, una de la mejores formas de contarla y representarla; bueno, el cine y la literatura, pero es bien conocida la relación de vieja data entre Hollywood y muchos (grandes) escritores y sus novelas. Sin duda, la idea de que “la historia de los Estados Unidos es de película”, lejos de ser entendida de manera meramente retórica, ha sido tomada al pie de la letra por algunos de los más destacables directores norteamericanos del siglo XX. Martin Scorsese es uno de ellos, y es, seguramente, el director vivo que más se ha interesado y obsesionado con los personajes, las historias y las empresas que hicieron Estados Unidos. Enfocando sujetos y lugares diferentes pero que comparten un vínculo histórico innegable, desde los años 1970 ha dedicado al menos una decena de sus películas al tema. Algunas de ellas: Mean Streets (1973), Taxi Driver (1976), New York, New York (1977), Raging Bull (1980), The Color of Money (1986), Goodfellas (1990), The Age of Inoccence (1993), Casino (1995) y Gangs of New York (2002). Asimismo, ha dirigido y producido series de televisión (Boardwalk Empire, 2009, o The Blues, 2003) y documentales sobre figuras como Michael Jackson (1995), Bob Dylan (2005) o Frank Sinatra (2013), que se fijaron de manera indeleble en la historia cultural del país del norte; lo único que no ha hecho, se dirá, es un western, pero bien pensado varias de sus películas cuentan con su propia versión del “viejo oeste” e inéditos cowboys de ciudad grande.